Giorni felici 2012

PREMIO MARIUCCIA PARACCHI

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A cinquant’anni dalla scomparsa di Mariuccia, grazie alla generosità della famiglia, viene indetto il Premio Mariuccia Testori Paracchi, destinato a sostenere l’attività di un giovane artista emergente.

Luca Doninelli: Ricordi come nacque la tua passione per l’arte, per la letteratura?
Giovanni Testori: Avevo una cugina che dipingeva. La mia famiglia e quella del fratello di mio padre abitavano nella stessa casa, in due appartamenti separati ma comunicanti. Mi regalava sempre, fin da quando ero bambino, libri e libretti dedicati ai pittori (prima, però, strappava le immagini troppo ardite, come le Veneri e altre cose del genere).Questa cugina era maggiore di me di circa dodici anni e io andavo ogni giorno a trovarla, nel salottino dove lavorava, e in silenzio seguivo le fasi del suo lavoro: dai primi schizzi a penna ai disegni fatti a carboncino e da questi all’esecuzione finale, quando i colori schizzavano dai tubetti. Ero stupito tanto dalla materia quanto dalla volontà di costruire che c’era in lei. Faceva nature morte, paesaggi, e anche alcuni bellissimi ritratti.

Entrando in Casa Testori, l’ingresso e la grande scala dividevano i due appartamenti: a sinistra, sopra e sotto, viveva la famiglia di Edoardo e della moglie Lina, genitori dello scrittore Giovanni Testori, di Piera, Giuseppe, Marisa, Lucia e Gabriella; a destra viveva lo zio Giacomo con la moglie Giuseppina Rusconi e i figli Angela (Angiùla), Angelo e Mariuccia, la cugina di cui parla Testori in questa intervista del 1992. Mariuccia Testori (1911-1962) si dedicò presto alla pittura e al disegno, arrivando a partecipare ad alcune esposizioni collettive alla Permanente di Milano negli anni Trenta; la sua produzione è ristretta a pochi anni, tra il 1935 e il 1942. Mariuccia, che si era sposata con Piero Paracchi, dopo la nascita della seconda figlia, Anna (1941), si era dedicata alla famiglia. In seguito ebbe altri tre figli: Giacomo, Marta e Letizia. Testori rimase riconoscente tutta la vita verso l’amata cugina, così importante per la sua precoce fascinazione per il colore e la pittura, ma anche testimone di una totale dedizione all’alveo famigliare, così importante per la storia di questa casa, e per lo scrittore.

Il premio è stato vinto da Aleksander Velišček, scarica qui il comunicato.

Gaia Carboni, INCIDENZE

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Stanza 20
Invitata da Stefano Arienti

Il progetto pensato per questa stanza esprime una riflessione concernente due differenti elementi, riuniti, però, sotto lo stesso segno; uno è legato alla tecnica dell’incisione, nei suoi diversi aspetti processuali, l’altro si riferisce al ruolo della luce nell’incisione stessa e quindi alla sua percezione attraverso la ponderazione di diverse dimensioni spazio-temporali. La processualità propria dell’incisione viene apparentemente interrotta nell’opera Phos III. Essa, benché rimasta in forma di matrice, lascia spazio alla luce che insediandosi nei segni incisi, come se fosse inchiostro, fa emergere il paesaggio rappresentato, che a sua volta, tra le corrosioni e le inflorescenze che il tempo ha lasciato sull’alluminio, si sottopone. Tale discorso si ripresenta nell’opera site-specificAbete dove il segno inciso viene percepito sempre grazie a essa. Tale opera catapulta all’interno della stanza l’abete presente nel giardino di Casa Testori ed è il motivo principale per cui ho scelto questa stanza: l’albero in questione è esattamente centrato nella finestra che viene percepita, di conseguenza, come inquadratura perfetta di un elemento molto affine nella struttura architettonica alle forme che rappresento. La virtualità di questo soggetto che si astrae dal suo contesto introduce la dimensione metafisica dei tre disegni Dark I, II e III, in cui la luce non è più fisica ma interamente mentale ed è espressa attraverso l’uso della penna nera e quindi dell’inchiostro, che si staglia sulla superficie metallica dei cartoncini che imitano la lastra di incisione.

Gaia Carboni è nata a Torino 1980. Vive e lavora a Fidenza.

Katja Noppes, IL GESTO PROVIENE DA UN LUNGO E LENTO MOVIMENTO MENTALE, IN NIENTE ORDINATO, SOLO PIENO

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Stanza 19
Invitata da Giovanni Frangi

Equazione di peso (archivio).
Il mio lavoro ha uno scaffale Archivio che è in continuo processo. Non è un lavoro finito né lo sarà mai, piccoli gesti possono spostare, eliminare o sostituire lo spazio occupato.
Hanno la stessa immediatezza di ciò che facciamo con un semplice clic ogni giorno: è un luogo che ordina e archivia, ma a differenza della macchina il gesto proviene da un lungo e lento movimento mentale, in niente ordinato solo pieno.
Egli ospita opere indipendenti e composizioni non ancora collocate.
Il finito e il processo vengono mostrati allo stesso livello: è una scena del desiderio, una scena d’illusione e anche configurazione della visibilità , della trasparenza inesorabile di tutte le cose.
Un giorno si potrebbe immaginare di svuotarlo e mettere il contenuto in una composizione di varie teche, per un ulteriore processo di transcodifica, in un era tecnologicamente avanzata.
Ma questo è la mia visione utopica nell’archiviare materiale che in un futuro sarà  prezioso come matrice per un altro artificio.
I due lavori esposti nella camera studio di Giovanni Testori provengono da questo Archivio.

Katja Noppes è nata a Starnberg (Monaco di Baviera) nel 1967. Vive e lavora a Milano.

Giovanni Hänninen, CITTÀ INATTESA

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Stanza 17
Invitato da Gabriele Basilico

Città inattesa è un viaggio in una città ricostruita con pezzi di Milano dimenticati. Una città dormiente, rannicchiata fra grattacieli e grandi opere. È assemblata con luoghi a volte anacronistici, che sembrano aver esaurito la loro missione. Ma anche con edifici che sarebbero ancora in grado di vivere e servire la cittadinanza. È un puzzle di spazi pubblici che ricompongono virtualmente le esigenze primarie del vivere sociale nel mondo moderno.
Incuria, fallimenti, ragioni economiche, motivi politici, progetti abortiti ancor prima di essere compiuti. Sono molteplici le cause che hanno reso questi edifici invisibili e, spesso, rifugio degli “invisibili”.
Non si tratta di periferie di una città in ritirata, ma luoghi sparsi su tutto il tessuto urbano di una metropoli che sfida il cielo con nuove torri. Una Milano assente, troppo distratta dal cementificare ogni vuoto, per ascoltare i silenzi di edifici in attesa di idee e di coraggio. Luoghi che non chiedono di rimanere uguali a loro stessi, ma che sono pronti a trasformarsi adeguandosi a nuove funzioni.
Una lotta silenziosa quella che devono affrontare. Contro il deterioramento che sbriciola piano piano le loro fondamenta e la natura che, quieta, si riprende gli spazi che le sono stati portati via.

Giovanni Hänninen è nato a Helsinki nel 1976. Vive e lavora a Milano.

Kei Mitsuuchi, CARNE MIA

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Stanza 16
Invitato da Gianriccardo Piccoli

Kei Mitsuuchi è stata una figura chiave per gli ultimi anni del percorso critico di Giovanni Testori. Lo scrittore ne aveva visto i disegni esposti in una galleria parigina e subito lo aveva spinto a buttarsi su progetti sempre più impegnativi, realizzando un grande ciclo sulla Passione di Cristo. Il percorso culminò nella mostra organizzata nel 1985 alla chiesa di San Carlo al Corso a Milano (oggi tre di quelle grandi tele sono custodite nella parrocchia di San Carlo a Novate Milanese). Kei Mitsuuchi, nato a Kochi, in Giappone, nel 1948, lavora sui temi della Passione facendo della propria immagine il modello per tutti i protagonisti delle scene: un coinvolgimento radicale, potente, che elimina ogni distanza tra l’artista e il racconto dell’episodio.
“Cosa spinge un artista a far di sé l’unica figura possibile per tutte le immagini e le personae che intenda dipingere? – si chiedeva Testori nell’introduzione al catalogo della mostra – Può darsi che, se non l’impossibile risposta, un qualche barlume che rischiari la domanda, magari per ulteriormente illividirla, stia per darlo proprio l’ossessione mitsuuchiana d’essere lui, e lui solo, tutte le figure e tutte le personae della sua cristica tragedia; dato che nessuno, o quasi, lo volle e lo vuole “compagno”; non certo, la societas degli intelletti; che è la più invereconda e prava. L’immensità della solitudine, come potrà popolarla un dannato a vivere in lei e solo in lei? Se, poi, quel dannato (come per sua dolorosa, esplicita affermazione, risulta essere Kei) ha, quale prima molla a significare la propria esistenza, il “bisogno d’espiare”, che potrà accadere? Chi metterà egli alla gogna se non se stesso, ove pur dovesse dipingere un principe o un re?”.

Kei Mitsuuchi è nato nel 1948 a Kochi in Giappone. Dal 1969 si è trasferito a Parigi. Da anni ha fatto perdere le sue tracce e non si hanno più notizie di lui.

Tania Pistone, STRAHLER E ALTRI PROBLEMI

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Stanza 15
Invitata da Bertozzi & Casoni

Da quasi quattro anni, vivo in Svizzera nella Bassa Engadina, nel Canton Grigioni. Il luogo è incantano, forse un po’ isolato, ma spesso ispirante, infatti è qui che ho scoperto il mondo degli “Strahler” (dal XVI sec. nella Svizzera tedesca i cercatori di cristalli sono soprannominati Strahler – o meglio cercatori di luce).
Quelli che a prima vista potrebbero sembrare “semplicemente” dei quadri astratti sono in realtà il risultato di stratificazioni, accumulazioni, pensieri provenienti forse, da altri mondi. Come un antico palinsesto medievale, dal quale si intravede ancora quanto in passato era stato scritto e poi raschiato via per essere riutilizzato. In questo particolare gruppo di opere, il cristallo di Rocca svolge un ruolo dominante e diventa elemento simbolico, insieme alla necessità di voler fermare un preciso istante della vita fino a farlo diventare un’opera d’arte. La grafia pura e semplice, non può prescindere dalla necessità di legare all’atto dello scrivere il rimando a qualcosa che si vuole a tutti i costi ricordare, o tramandare – come nel Tentativo di volo di Gino De Dominicis, nel 1970: “Forse perché non sono mai riuscito a nuotare, ho deciso di imparare a volare. Da tre anni infatti, ripeto questo esercizio. Probabilmente non riuscirò mai a volare. Ma se farò ripetere questo esercizio anche ai miei figli, ed ai figli dei miei figli e loro ai propri figli, forse un giorno un mio discendente si troverà improvvisamente a saper volare” –, emerge da sotto la griglia di segni, utilizzando la pittura che ne viene contaminata, in parte organizzando lo spazio, in parte lasciando che il quadro si organizzi da sé.

Tania Pistone è nata nel 1969 a Catania. Vive e lavora a Sent (Svizzera).

Angelo Mangiarotti, LO STADIO “NASSA”

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Stanza 14
Invitato da Alessandro Mendini

A pochi mesi dalla morte, Casa Testori rende omaggio ad Angelo Mangiarotti, grande architetto e designer, uno dei protagonisti della Scuola di Milano. È un omaggio che intende sottolinearne le caratteristiche progettuali: una forte carica visionaria unita a una conoscenza quasi artigianale dei materiali. Mangiarotti rispetto agli altri esponenti della Scuola di Milano aveva una vocazione a immaginare e progettare grandi infrastrutture, come in effetti si è realizzato con le stazioni del passante ferroviario milanese. Tante altre idee sono invece rimaste sulla carta, e ce le ha lasciate raccontandole in decine di studi e di disegni che restituiscono in pieno il fascino delle sue invenzioni. Lo Stadio di Catania, che un gruppo di costruttori gli aveva commissionato in vista dei Mondiali di Calcio del 1990, è una di queste invenzioni.
Mangiarotti, capace di trarre forme quasi utopistiche da riferimenti molto quotidiani, per concepire lo Stadio parte dalla forma della nassa, un attrezzo per la pesca a forma di gabbia cilindrica o sferica. Lo Stadio sembra infatti planare sui fogli di carta proprio come un’astronave. È un volume unico e compatto, costituito da una struttura reticolare di tubolari in acciaio con tamponature leggere, opache e vetrate. Quando nel 2008 venne inaugurato lo Stadio Olimpico di Pechino, progettato da Herzog-De Meuron su un concept di Ai Weiwei (il famoso “nido di rondine”), tanti chiamarono Mangiarotti complimentandosi perché quella sua idea futuribile di vent’anni prima era diventata realtà.
Per la realizzazione di questa stanza è stata essenziale la collaborazione di Anna Mangiarotti e di Kinue Horikawa.

Angelo Mangiarotti è nato a Milano nel 1921. Muore a Milano nel 2012.

Marco Cirnigliaro, AFFECTUS

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Stanza 13
Invitato da Matteo Negri

Prima di essere una “disposizione” o un “sentimento” che si prova verso gli altri, affectus è un uomo che è intimamente colpito da quel che gli è esterno, è interpellato, chiamato in causa, perché intaccato da quell’oggetto esterno, che lo costringe a prendere posizione e a non essere più quello di prima.
Da qualche anno, mi son messo a lavorare su piccoli taccuini, che mi fabbrico io, tutti del medesimo formato, su cui traccio i miei schizzi con la Bic nera.
I soggetti? Le persone, specie giovani, con cui lavoro, le persone che incontro in luoghi pubblici dove mi capita di trovarmi, note, sconosciute o a me care. In particolare, mi accade sovente di entrare in tante chiese, da quella sotto casa al Santo Sepolcro di Gerusalemme, e lì disegno il punto centrale del tempio: mi siedo su una delle panche di mezzo e sto a guardare l’oggetto che mi sta davanti, sia esso la pala o il crocifisso, o anche, why not?, uno dei miei supereroi.

Marco Cirnigliaro è nato nel 1959 a Milano, dove vive e lavora.

Annachiara Lodi, TUTTI QUELLI CHE CADONO

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Stanza 12
Invitata da Marco Signorini

Humani nihil a me alienum puto.
Una dozzina di immagini discrete possono parlare più che una lunga convivenza. C’è Amanda Knox, Bill Zeller, Aaron Lee Ralston, ma non denuncia sociale o volontà di intrigare morbosamente l’osservatore.
Sembrerebbe che il triste sguardo di Madre e sposa si posi – patendo con/per – sulle vicende tragiche e contraddittorie di alcuni volti della cronaca, che solo sotto questa pressione svelano una vicinanza a sé inaudita. Uno sguardo che sembrerebbe quasi comprendere la sofferenza del ragazzo sorridente che ha scritto al mondo di essere troppo solo per continuare a vivere, che si strugge davanti al dolore del nostro tempo, ma che allo stesso tempo ha il coraggio di sostenerlo. Ma sarebbe una fine inguardabile, senza avere negli occhi qualcos’altro.
Cadute e ricadute (come quella del base jumper che dopo essere rimasto sotto un masso per 127 ore e aver perso un braccio non desiste dalla sua pratica); ma la libertà  stessa del guardare alla lapidaria negazione di sé da parte di un altro, espressa in All’autore, fa intuire che la causalità  non esiste, perché se si può “morire” per uno sguardo storto, si può anche essere così fortunati da vedere qualcuno che, pur non essendoci più, oggi genera nella vita di quelli che gli stanno attaccati.

Annachiara Lodi è nata nel 1986 a Milano, dove vive e lavora.

Aleksander Velišček, “BENVENUTI IN TEMPI INTERESSANTI”

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Stanza 11
Invitato da Andrea Bianconi

Mi piace pensare alle scale che congiungono i due piani di Casa Testori (dove erano collocati i miei dipinti) come metafora dei due piani alla base del mio processo pittorico: l’ostinazione e l’indagine.
La pittura è continua stratificazione materica (l’ostinazione) che si addensa giorno dopo giorno sulla tela, rivelando (come un’indagine) espressioni, concetti e sensazioni di forme e colori. Parafrasando Francis Bacon: “bisogna cercare di impacchettare un sacco di cose in ogni singola pennellata”.
Tra le opere esposte a Giorni Felici si trovava un lavoro paradossale: il ritratto del mio amico Kresnik, un piccoletto a cui voglio gran bene, raffigurato come fosse un gigante di cinque metri. Omaggio necessario a una persona cara con cui ho condiviso gli anni di studio a Venezia.
Il piacere, assieme all’eccitazione e la smaniosa ricerca di successo e popolarità sono invece il fulcro degli ultimi lavori.
L’intenzione era di portare a galla gli stridori vacui della realtà quotidiana. I desideri più irragionevoli del contemporaneo hanno sostituito quelli naturali. Viviamo il nostro tempo come un “teatro dell’assurdo”: ci sentiamo protagonisti e allo stesso tempo estranei al dramma collettivo della società moderna. Parlo di politica e di potere – quello economico certo, ma anche quello mediatico delle immagini, raffigurazioni ormai devote esclusivamente alla mercificazione di massa. Cerco di muovermi come un equilibrista su quella linea sottile sospesa nel vuoto che divide finzione e realtà. Voglio caricare di materia e veleno le tele ed i volti dei miei personaggi, nel tentativo di rendere solidi e pericolosi i miei ideali.

Aleksander Velišček è nato nel 1982 a Šempeter Pri Gorici, (Slovenia). Vive e lavora tra Nova Gorica e Venezia.

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